Les œuvres de Leonid Zeiger sont le résultat de multiples actes de démarcation et d’effacement, de création et de destruction, de recherche et de doute. Souvent, il choisit de traiter des thèmes essentiels à la peinture – la figure et le portrait – et, en un sens, ramène le discours autour du corps à la ligne fine entre le modernisme et le postmodernisme. Chacune des peintures est une entité compacte et dense qui transmet, au moyen de la couleur et de la forme, la sensation d’une mémoire personnelle ou d’un moment unique.

Pour éviter les clichés artistiques et culturels, Zeiger s’éloigne de la peinture « belle » et naturaliste et crée une peinture figurative qui agit comme une peinture abstraite. L’artiste s’inspire de l’esprit essentiel de la culture médiévale et du début de la Renaissance, lorsque les concepts abstraits ont été imprégnés d’une signification vitale.

Le milieu local dans lequel Zeiger vit et travaille se transforme dans ses peintures en un monde privé avec une mythologie personnelle. Le processus artistique, d’une manière méditative, crée une sorte de pont entre la culture russe et la culture israélienne (toutes deux au fond du cœur de l’artiste), entre le moderniste et le contemporain, entre l’illusoire et le matériel. Les toiles indiquent un processus de recherche prolongé et sinueux, dans lequel il y a aussi un élément de jeu et d’ironie.

La qualité intime des peintures de Zeiger est née non pas de la relation entre le regard du spectateur et les images représentées, mais de la relation entre l’image et l’espace dans lequel elle a émergé – une interaction qui donne au spectateur un aperçu des forêts secrètes de la mémoire, des fantasmes, des angoisses et des moments de paix, d’ombre et de lumière.

Tali Ben-Nun

Jerusalem, 2016